Dette indlæg er indgivet under:
Hjemmeside Højdepunkter,
Interviews og kolonner
Krise nr. 1
Af KC Carlson
Tidligere om uendelig historie: (del 1) (del 2) (del 3) (del 4) 1980’erne var en særlig frugtbar periode for kreativitet i superhelte-tegneserier. En masse eksterne aspekter – ændringer i distribution, nye formater, skabere, der ønsker nye forretninger, til at udtrykke deres kreativitet, der fører til nye tegneserieudgivere, og en altoverskyggende følelse af, at tegneserier som medium voksede med kvante spring – forårsager dette. 1986 var et særligt godt år for tegneserier, herunder Watchmen, Batman: The Dark Knight Returns, Maus og Masser af andre mindeværdige projekter. Det føltes som en ny gylden tidsalder – men der var mørke brygning.
Det er svært at gå over i detaljer den såkaldte moderne tid (også lejlighedsvis benævnt jern eller kobberalder i overensstemmelse med de tidligere veletablerede metalliske epoker af gyldne, sølv og bronze) fra midten af 80’erne op, Da der ikke er nogen enestående aftalt begivenhed til at markere dens begyndelse. I modsætning hertil definerer Barry Allen Flash Revival i 1956 normalt begyndelsen på sølvalderen. Generelt anses denne periode for at begynde omkring 1985-1986, der omfatter både Marvel’s Secret Wars (Superhero Comics ‘første store begivenhed) og DC’s krise på ubegrænsede jordarter (første superheltbegivenhed, der viser en klar overgang/udvikling fra den ene ting til den næste). Nogle af de afgørende elementer i denne æra af tegneserier inkluderer fremkomsten af uafhængigt udgivne tegneserier, tegneserier, der bliver meget mere involveret i forbedringen af branchen (såvel som at blive meget mere velkendte både for deres arbejde og som personligheder) , og masser af karakterer-både nye og veletablerede-er meget mere psykologisk og følelsesmæssigt komplekse.
Det er også den første æra af tegneserier, hvor historierne om karaktererne, skabernes historie og utallige bag kulisserne service og tegneserieindustri-mekanik alle kombineres i sindet hos den daglige tegneserievan. Det skyldes en kraftig fanpresse og forværret af den hurtige udvikling af teknologi forbi nogle udgivere for at kunne kontrollere – eller undertrykke – IT. Da figurerne selv blev grimmer, og som branche rygter, retssager, designerfejder og backstabbings blev hverdagens fannish talepunkter, blev æraen også i almindelighed kendt under et andet navn – den mørke alder.
Darkness Brewing …
Vigilante #1
Mange af de mørkere elementer begyndte først at vokse op i nogle af de bedst elskede (og bedst sælgende) tegneserier i æraen: Uncanny X-Men, Daredevil, Batman: The Dark Knight vender tilbage og Watchmen. Selv krisesuperhelten på krisen på ubegrænsede jordarter kunne ikke skjule det faktum, at hundreder af karakterer døde, toppet af to fan-favoritter: The Flash og Supergirl, begge godt forbi deres primære som effektive top-tier-karakterer og fløj i bølgende historier.
Først blev det voksende mørke hovedsageligt tilskrevet en ny “realisme” i tegneserier og anerkendt som noget, der længe var nødvendigt for den igangværende udvikling af tegneserier som en kunstform. Masser af af de tidligste historier, der udforsker disse temaer, betragtes som i dag stadig klassikere i marken. Men da mindre kreative talenter begyndte at bruge de samme temaer i deres historier – til meget mindre effekt – begyndte “realisme” at ligne en anden tegneserie -trend, noget der skulle kopieres og imiteres, fordi det var trendy, men mest fordi det lignede Det ville sælge som gangbustere. Få skabere kunne styre voksne temaer såvel som Alan Moore gjorde, og uden det underliggende indhold optrådte resultatet som vold for sin egen skyld, “dystre og grusomme” som en tendens i stedet for noget alvorligt at sige.
For at være retfærdig skete de samme ting også andre steder i populærkulturen. Grittier -film voksede væk fra deres ”kult” -status til bona fide populære blockbusters. Fjernsyn (et andet medium, ligesom tegneserier, der hovedsageligt tog sin føring fra det, der skete andetsteds) fulgte snart også efter.
I superhelte-tegneserier, hvad der må have været blomstringen af en brøndspring af kreative ideer-tegneserier, der omfavner andre kulturer, elementer fra gammel historie og genre-busting-historier, der involverer overnaturlige, rædsel og grusomme kriminelle noir-elementer, blev hovedsageligt normen. Antihelten var konge, og tegneseriernes primære farver blev sort, grå og rød.
Det var en ting for tegneserier at tilføje karakterer som The Punisher, og derefter meget senere vigilante og Deathstroke the Terminator, som brutale karakterer som dette var en naturlig udvækst af de skiftende tider. Til at begynde med blev mange af disse figurer portrætteret som standardskurke, men som tider ændrede sig, gjorde det også den måde, de opererede på. De gik efter dårlige mennesker, der var dårligere end de var, så på en eller anden måde berettigede dem ved hjælp af brutal kraft og dødbringende våben til at dræbe deres fjender.
En fan, der ikke glædede sig over den type historier, der ikke var interesseret i at se, hvem der kunne være meget mere brutal endDen næste fyr kunne forsømme dem. De var altid lidt væk til siden af mainstream. Men så begyndte “dystre og grusomme” at påvirke standardhelte – og i sidste ende ændre den måde, de opererede på. F.eks. Blev Batman mørklagt, hvilket giver mening for ham som en “mørk avenger” -type. Men nogle skabere tog det for langt og mistede fornemmelsen af sine kernemotivationer for at gøre, hvad han gjorde. Nogle karakterer skal stadig eksistere for at være iboende og urimeligt gode og heroiske – ligesom der nu var karakterer, der iboende var mørke og snoede og amorale.
Mange fans trak linjen ved at få enhver ældre karakter til at have en slags skjult traume eller noget, der bøjede dem i en psykologisk kringle. F.eks. Var Superman en skygge af, hvad han må være, typisk traumatiseret af tvivl (eller frygtelige haircuts). En masse af X-Men var ikke genkendelige fra de langvarige fans voksede op med. Ligesom snesevis mere.
Plus, det var usædvanligt fjollet for alle at begynde at bære læderjakker for at få dem til at se hårdt tilbage i 90’erne. Nu fik det mig til at grine! Vi har lige fået en flashback til den æra med Jim Lees redesign af Wonder Woman’s kostume, et look, der let kunne være blevet droppet på siderne i enhver tegneserie dengang.
Selv tegneseriens service bliver mørk
Grim og Gritty var overalt, ikke kun på tegneseriesider. I vores verden gennemgik tegneserier en betydelig offentlig renæssance i slutningen af 1980’erne, mest på grund af den revolutionære udvikling af tegneserier selv. De begyndte at blive taget alvorligt som en kunstform, diskuteret ofte i magasiner og aviser, plus lærde blev involveret, hvilket antydede, at det bag de unge fængsler og oprindelser af tegneserier og deres figurer nu var tid til at begynde at tage dem alvorligt.
Hollywood tog dem bestemt alvorligt. Men på trods af nogle tidlige succeser (de første par Superman -film) tog det lang tid at få tegneseriebøger film, hvor det ville være en succes ikke kun for tegneseriefans, men også med offentligheden. (At vente på, at den rette teknologi skulle gå videre til at fange superdrevet handling på film var en tydelig stødestokkning). Så der var masser af store penge, der bare ventede i vingerne.
Howard the Duck nr. 1 var en af de tidligste tegneserier, der var berørt af spekulanter.
Ikke at tegneserier nøjagtigt manglede for penge i 80’erne og begyndelsen af 90’erne. Den komiske udvikling genererede bestemt en masse kunstneriske medier ros, men det gød også en flåde af POW! Zap! Tegneserier værd store bukke! dækning. Avis og magasiner rapporterede, at gamle tegneserier – især første udgaver og oprindelser af populære figurer – gik for tusinder og tusinder af dollars! Og nærmer sig millioner! Dette var fødslen af den moderne tegneserie -spekulant, der fik tegneserier til deres monetære værdi (som var bundet til at gå op, ikke?) I stedet for deres indhold.
X-Men nr. 1 indeholdt fire covers, der blev tilsluttet til at danne et enkelt billede.
Naturligvis var Big Bucks Angle bare overskriften og historiens føring. Du var nødt til at læse dybere for at opdage, at kun visse tegneserier var værd at skøre penge – og normalt kun på grund af deres alder, knaphed og tilstand. Men mange mennesker så lige dollartegnene og gider ikke at læse videre. Så selvom udgivere var glade for at have den betydelige tilstrømning af salget i denne periode, var det meget hårdt for dem at få en fornuftig redegørelse for, om disse salg var splinternye læsere tiltrukket af historierne og skaberne, eller hvilke procentdel af salget redegjorde for For spekulanter (eller detailhandlere) får flere sagsmængder (enten 200 eller 300 eksemplarer, afhængigt af en bogs sidetælling og tykkelse). Jeg formoder, at selv i dag har en god procentdel af købmænd fra den tid stadig usolgte tilfælde af Jim Lees X-Men nr. 1 i deres bagrum eller lagre. (Jeg kender personligt flere.) Hvem ved, hvordan kan individuelle tegneserier “hoarders” stadig sidde på deres og vente på den dag, hvor deres firefarve hest endelig kommer ind.
Forbedringer? Hvilke forbedringer?
Eclipso indeholdt en “perle” på forsiden.
Bundlinjen, mange udgivere var ligeglad med, hvem der fik deres tegneserier, så længe de fortsatte med at sælge. Mange af dem opmuntrede meget til spekulationer ved ofte at annullere langvarige tegneserie-serier bare så de kunne starte dem med nye storsælgende nr. 1-problemer. Eller tilføjelse af specielle “forbedringer” (“spekulant agn” ifølge mindst en tegneseriekontrakt på dagen). Disse forbedringer omfattede flere “variant” -dæksler tegnet af forskellige kunstnere, specielle fluorescerende eller “glitrende” blæk, fold-out gatefold covers, folie eller “holo-grafiske” covers, polybagged bøger (normalt med ekstramater), hologrammer, die-cut eller Prægede dæksler og endda engangs dækker kun med “colorforms” -lignende plastikmærker eller plastik juveler (som beskadigede en stor procentdel af tegneseriens trykning).
[Bortset fra: Tilbage i dagen, mens jeg gik ned i gangen på DC Comics, trak en marketingchef mig ind på sit kontor,Forsøger at finde nye ideer til dækningsforbedringer, fordi de var ved at løbe ud. Jeg foreslog sarkastisk, at de kunne prøve et omslag baseret på det gamle “magiske skærm” legetøj, hvor du tegner et billede på et stykke plast, og når du løfter plasten, forsvinder dit billede. Fans ville ikke være i stand til at modstå at trække dækslet op (og slette kunsten), foreslog jeg, så de skulle gå ud og få en anden kopi, hvis de ville have omslaget. Damn, hvis han faktisk ikke tænkte på det i et par sekunder …]
I midten af 90’erne indså en masse af spekulanterne endelig, at der ikke ville være meget afkast på deres investering og reddet på tegneseriesektoren. Med så mange mennesker, der fik de samme “Collector’s Editions” i betydelige mængder, var der aldrig nogen mangel på at skabe den stigning i værdien, de søgte. De efterlod millioner af usolgte tegneserier i tegneserier (førte til lukning af tusinder af tegneserier og kortbutikker) og tvang tegneserierne til at minimere deres operationer i høj grad (eller gå ud af drift). Omkring denne tid offentliggjorde Marvel over 200 tegneserier om måneden – hvoraf mange forsvandt praktisk talt natten over – og virksomheden endte med at erklære konkurs. Selv i dag er en masse tegneseriefans ikke helt klar over, hvor tæt virksomheden vedrørte at forsvinde fuldstændigt, mest på grund af en masse bag kulisserne service og aktiemarked shenanigans.
Mange andre udgivere forsvandt eller skaleres meget tilbage. Tabet af så masser af tegneserieudgivere (og tegneserier) startede en dominoeffekt i det direkte markedskomikdistributionssystem. Da støvet endelig bosatte sig, overlevede kun Diamond Comic -distributører på grund af masser af eksklusive distributionsaftaler med afgørende udgivere. Alt dette påvirkede tegneserietjeneste i høj grad på det tidspunkt, og masser af branche -seere rapporterer, at industrien endnu ikke er kommet fuldstændigt – og måske faktisk har slået sig ned i en ny, omend tentativ status quo.
Men inden al denne branche -dårhed skete, gjorde andre aspekter 1990’erne til et meget interessant årti at se på.
Billede af 90’erne
Savage Dragon
Alle kender historien nu. Flere kunstnere, der arbejdede for Marvel, fik uventet hvid-hot og begyndte at føle, at der var noget derude ud over at arbejde for huset, som Stan og Jack byggede, især efter at have nydt, hvad der skete med Jack. Folk kan lide Todd McFarlane, Jim Lee, Rob Liefeld, og deres venner flyttede millioner af Marvel -bøger hver måned baseret på deres talenter – og kun for sidesats og royalties. Hvem vil ikke have et større stykke af det? Så fra de gik og skabte Image Comics, et Indy -firma, hvor de var cheferne – og skaberne ejede det, de skabte. (Dette anvendte kun grundlæggerne, i betragtning af at de hurtigt indførte de samme slags arbejdskontrakter, de tidligere havde skåret under.) De skabte tegneserier som Spawn, Wildc.A.T.S., Youngblood og Savage Dragon (den eneste En, der stadig kører af sin oprindelige skaber, navn tilbageholdt, er … Erik Larsen), og i et stykke tid var de de nye konger af tegneserier.
Billedet solgte masser af tegneserier – masser af dem multipler til spekulanter – og sandsynligvis ikke lige så masser af tegneserier, som de solgte for Marvel, men i betragtning af at de nu fik en større procentdel af overskuddet, betyder det virkelig ikke noget meget til dem. Pludselig var der nye unge fans lige så rabiat til de nye billedbøger som de såkaldte “Marvel Zombies” var en fan-generation tidligere.
Og her skete der noget interessant. Masser af af billedbøgerne blev skrevet og tegnet af kunstnere, hvoraf mange af dem ikke havde meget tidligere erfaring med at skrive tegneserier. Det var temmelig tydeligt ved at tjekke dem, at en masse image tegneserier favoriserede kunst frem for skrivning. Mens der bestemt ikke er noget galt med den slags tilgang, vil mange mennesker, der har læst tegneserier i lang tid, inklusive mennesker som mig, der ser på dem i en kulturel/social/kunstnerisk, kvasi-skolelig måde, fortæller dig, at en meget af de fantastiske tegneseriehistorier